Über das Blog

An der summer school nehmen 30 Nachwuchswissenschaftler der historischen und musikwissenschaftlichen Emotionsforschung, der Neurowissenschaften und der Psychologie sowie junge Musikvermittler teil. Hinzu kommen 12 internationale Experten dieser drei Disziplinen bzw. Arbeitsbereiche.
Die Dokumentation der gemeinsamen Woche, die aus Projektpräsenationen, Seminaren, Diskussionspaneln und praktischen Workshops besteht, soll ein interaktives Format erhalten, das den unterschiedlichen Perspektiven Raum bietet und offen für verschiedene Formate ist (Texte, Poster, Filme, Bilder etc.). Kurz: ein Blog, der schon während der Woche entsteht und später durch einen Katalog als festes Gegenstück ergänzt wird.

Susan Sontag: Zitat

„Die Kunst, die in der menschlichen Gesellschaft zunächst ein magisch-religiöses Unternehmen war und sich später zu einer Methode der Darstellung und Kommentierung der nichtreligiösen Wirklichkeit entwickelte, hat sich in unserer Zeit eine neue Funktion gegeben (…). Die Kunst der Gegenwart ist ein neues Instrument, ein Instrument zur Modifizierung des Bewusstseins und zur Entwicklung neuer Formen des Erlebens.“

(„One culture and the new sensibility“ in „Against Interpretation and other essays“, 1966).

Ein Tag über Musik und Sprache

Ohne dass er diese Überschrift trug, schien der Tag allerorten um Fragen zum Verhältnis von Musik und Sprache zu kreisen. Sprechen über Musik, Musik als Sprache, sprechende Musik, Grenzen der Sprache….usw. Ist Musik überhaupt eine Art von Sprache?

Mit seinem Seminar über Musik als Sprache der Gefühle griff Eckart Altenmüller das just am vorabend von Ian Cross abgewiesene Konzept wieder auf. Berichte zu welchen Fragen und Befunden die  Gruppe gekommen ist, mögen folgen.

In Seminar von Stefanie Stadler Elmar, wurden derweil Sprache und Singen im Säuglings- und frühen Kleinkindalter  betrachtet und dabei manch Erwartung von einer Hierarchie zwischen Sprache und Musik und an bestimmter Regelhaftigkeit, in der sich das „richtige“ musikalische Verständnis bei Kindern herausbildet, ausgehebelt.

Am Nachmittag diskutierte die eine Hälfte nach Markus Feins eindrucksvollen Beispielen von Konzertveranstaltungen, die es verstehen, die emotionalen Fäden zwischen Musik und Publikum zu spannen, Fragen nach tragfähigen „emotionalen“ Musikvermittlungskosnzepten und deren Risiken. Immer wieder dabei im Zentrum: wieviel „Besserwisserei“ und „Überpädagogisierung“ hängen an der logozentrischen Musikvermittlung? Haben Wort und Schrift noch eine Chance oder sind Bilder, Ambiente, Erlebnisse, Identifizierungen usw. ein besserer Weg?

Im Nachbarraum fanden unter Anleitung von Christiane Tewinkel Analyse und Selbstversuche im Schreiben über Musik und seine vielfältigen möglichen Formen statt. Was meinen die Teilnehmer: Ist twitter aus dem Konzertsall ein unbedingt ausbaufähiges Medium? Lässt sich Wissen über Musik abstreifen und nur noch das Erleben beschreiben?

Den Abschluss des offiziellen Programms bildete der erste von drei Beiträgen von Herbert Bruhn. Mit einem nicht optimal gestimmten (aber deswegen ungeahntes pädagogisches Potenziel entfaltenden) Klavier, Bach und Celibidaches Ideen einer musikalischen Gestaltpsychologie im Gepäck, thematisierte auch Bruhn Beziehungen zwischen musikalischer Struktur und den Prozessen, in denen im musikwahrnehmenden/.aufnehmenden Wesen Bedeutung ensteht. „Wir erkennen, dass der Höhepunkt des Stückes erreicht ist, wenn wir plötzlich wieder wissen wie es weitergeht“ (H.B.)

Wer mehr möchte: Musik, Semantik und Affekte standen schon vor vielen Jahren bei einem Vortrag eines sehr charismatischen Musikvermittlers im Fokus: hier – insbesondere wenn es nach min 28 um music and semantics, meaning and affect geht und die zentrale Frage: „Did Beethoven feel, what I feel?“.

Wo stecken die Emotionen, wo die Musik? Spurensuchen in den Seminaren von Stefanie Stadler Elmer und Eckart Altenmüller

wo kommt die Musik an und was passiert dort mit ihr?
Auf der Suche nach „pitch-patterns“ in selbst erzeugten Gesangsproben
Our images about the classical canon become blurred…

 

„In unserem Musikverständnis sind wir in der Regel Einsiedlerkrebse“

Mit einer Keynote von Ian Cross begann die summer school. Am Anfang der gemeinsamen Woche stand dabei die basale Frage:  Was verstehen wir überhaupt unter Musik?  Cross‘ Antwort: Viel zu oft das, was vor noch recht kurzer Zeit, nämlich vornehmlich im 19. Jahrhundert, als solche geprägt wurde. Eine bestimmte Aufführungsform, aufgeladen mit ästhetischen und auch ökonomischen Werten und Attributen der Autonomie und Authentizität.    Dabei werde vielfach übersehen, wie vielfältige Formen von Musik diesem Muster gar nicht entsprechen.

Cross‘ Verweis auf die Unterscheidung von Turino zwischen „presentational musics “ (eine Aufführung, von geübten Spezialisten dargeboten, im Zentrum der Aufmerksamkeit stehend) und „participatory musics” (als kollektiver Akt, die Teilnehmer in eine gemeinsamen und sychronisierten Handlung  einbeziehend, mit Vorstellungen von Solidarität und Gemeinschaft verbunden) führte von diesem engen Verständnis  hinweg.

Diese partizipative Musik begegne uns nicht nur bei Fußballgesängen, in der Chorprobe oder im Kindergartenmusizieren – selbst die einfach Sprache, Mittel alltäglicher menschlicher Interkation, berge bei genauerer Betrachtung viele Merkmale, die man eigentlich als musikalisch bezeichnen kann: je nach Zusammenhang eingesetzte Tonhöhe, Dynamik, Tempo, Rhythmik.

Musik und Sprache ließen sich anhand ihrer strukturellen Merkmale oft erstaunlich schwierig trennen, argumentiert Ian Cross. Kein Wunder, dass da ein Redner immer auch ein bisschen Dirigent ist…

Musik und Sprache ließen sich daher gar nicht unbedingt an ihren bestimmten strukturellen Eigenarten unterscheiden. Vielmehr habe (partizipative) Musik Funktionen, die sich von Funktionen der Sprache abgrenzen ließen.

Als zentrales Merkmal nannte Cross hier den (durch Beispiele belegten) Befund, dass Menschen in partizipativen Formen der Musik ihre Aufmerksamkeit, Aktivität und Klänge an die anderer koppeln und so ein Prozess der ständigen und gegenseitigen Anpassung von Klängen, Rhythmik und Bewegung erfolge.

Anders als im Fall der Sprache müssten im Fall der Musik zudem nicht ständig Bedeutungszuschreibungen explizit gemacht und abgeglichen werden. Ihre unauflösbare Polysemie, Cross nennt es „floating intentionalitiy“ führe dazu, dass unterschiedliche Zuweisungen einer Bedeutung (Meaning) von Musik weit weniger konfliktreich sei als im Fall der Sprache.

Das mache Musik so geeignet als Rahmen für kommuniaktive Interaktion, die möglichst konfliktfrei verlaufen soll. Der unmittelbare Ausdruck von Bedeutung und die , viele Teilnehmer koppelnde Qualität, vermittele den Teilnehmenden den Eindruck der gegenseitigen Angleichung, obwohl das was die Musik für den Einzelnen oder die Einzelne bedeutet, sehr weit auseinader liegen kann.

Music is a communicative medium optimal for the management of situations of social uncertainty” (I.C.)

Musik  als partizipatorsiche Aktivität hänge daher zwar vielfach mit unserem affektiven System zusammen – aber in den Augen (und Ohren!) von Ian Cross ist sie aber nicht die viel als solche titulierte „Sprache der Emotionen“.

Ich denke, an dem Punkt geht es morgen, bei Eckart Altenmüller auch schon weiter….